Cena de Principales en el Palacio de los Deportes de Madrid

GALA PREMIOS 40 PRINCIPALES 2011

Cae la noche en Madrid. La ciudad respira bajo un manto estrellado. Sin embargo, las estrellas no se dejan ver solo en el cielo. En el Palacio de los Deportes de la Comunidad, la forma de estos astros se dibuja con claridad, como pistas que revelan tanto a la bandera de Madrid como al conjunto de artistas que actuarán en el pabellón. Desde la distancia, este se contempla como un gran restaurante, en el cual los clientes se agolpan a sus puertas. La diferencia es que, en él, encontrar mesa no es un problema y los platos no  llevan comida, sino la porción de una gran gala repleta de premios y de música.

VARIEDAD MUSICAL SOBRE EL TABLADO. La cantante Alejandra Stan conquistó el escenario con la segunda actuación de la noche | Diego León

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Tras sortear la entrada del recinto, la multitud recorre con ansia los pasillos. El concierto aún no ha comenzado, pero los instrumentos ya empiezan a sonar. Por turnos, músicos y técnicos de sonido repasan hasta el último detalle. Todo debe estar a punto para la gran noche que se avecina. Mientras tanto, en los túneles de acceso a las gradas el clima es de tensión. En pocos segundos, la masa de espectadores se ha multiplicado, la ansiedad por encontrar sitio es mayor  y el ambiente huele a una mezcla entre pizza y palomitas. Estas dos “gollerías”, sin embargo, que no son más que aperitivos del gran show que, en este momento, se cocina en el escenario.

Presentación del  menú musical de la gala, 4:11 (TheDigor4, canal de YouTube.com)

Aunque con retraso, Tony Aguilar, el gourmet de la noche, presenta el primer plato de la gala, de la mano de Enrique Iglesias. La actuación de este artista ha hecho que el menú musical de la noche se quede sin entrantes. Ello hace pensar que el cometido del chef es deleitar de inicio a los espectadores, como si estos fueran comensales de un gran comedor. Desde la pista, muchos de ellos aún mastican la pizza o las palomitas que han comprado en la entrada. Situación normal, porque la cocina del showacaba de abrir sus puertas. Ante este hecho y visto el gran menú de la carta, ¿quién puede resistirse a un buen plato de música?

GOURMET DE PRINCIPALES. El presentador Tony Aguilar dirige la gala a los mandos de una mesa de sonido | Diego León

La noche continúa y el escenario se afianza como el gran centro de atención. La música no deja de salir de los fogones. Chorros de humo, focos y láseres rellenan la sala del pabellón en un entorno lleno de luz color y sonido. El estilo musical y la puesta en escena de cada cantante orientan la sensación del espectador, como el cliente del restaurante que, en uno u otro momento de la velada, decide servirse un plato caliente o frío. Desde lo más alto del escenario, el gourmet Tony Aguilar dirige junto a sus dos ayudantes, Fran Blanco y Cristina Boscá, a otros presentadores invitados, procedentes del mundo de la comunicación. Bajo el papel de camarero, estos últimos se encargan de la otra gran función de la noche, la misma que convierte el evento en una especie de certamen de cocina: la entrega de premios a los mejores platos del año.

Enrique Iglesias recoge el primero de sus premios: Mejor Videoclip, 00:34 (TheDigor4, canal de YouTube.com

Poco a poco, el aforo del pabellón se convierte en un inmenso comedor. En él, el público intercambia momentos de actuación con otros en los que un artista es galardonado. Ello no impide, sin embargo, que el ambiente se libre de las cámaras. A través de ellas, una gran pantalla recoge cada episodio que ocurre dentro o fuera del escenario. No obstante, los grandes enfocados son los protagonistas del evento. En conjunto, estos proceden de geografías diferentes –Latinoamérica, EEUU, España…- y, dentro de la gastronomía musical,  ellos mismos interpretan temas de varios sabores. Desde baladas nostálgicas, al son de la voz de Malú y de la guitarra de Pablo Alborán, hasta momentos de éxtasis, júbilo y adrenalina, como los traídos de la mano de Carlos Jean, ganador del premio al mejor proyecto musical.

RECOMPENSA A TODA UNA TRAYECTORIA. Shakira dedica al público su galardón a la Mejor Artista Internacional | Popetas.net

En la carta del menú musical, estos dos últimos casos se suman a una gran lista de platos, como aquellos en los que el artista actuaba solo (Mohombi) o junto a otro artista (Pablo Alborán y Malú); en los que la actuación se interpretaba en directo (Jessie J) o en playback (Shakira) y en los que el propio músico permitía, al levantar el micro, que el público cantara con él (Enrique Iglesias). Al listado se agregan otros casos más especiales. Por un lado, el de los artistas que, pese a ser premiados, no asistieron al evento, como Pitbull y Maná,  o el de los que acudieron a ella sin actuar, como Maldita Nerea. Por otro lado, la situación de aquellos cantantes que, tras recibir el galardón, fueron menos aplaudidos, como el solista latino Brito, el grupo La Oreja de Van Gogh o el mismo Pitbull, quien ni siquiera sabía el trofeo que le habían dado.

Actuación de Carlos Jean en un momento del concierto, 2:29 (RobertCoolOnFashion, canal de YouTube.com)

Pese a todo, la gran salsa de la gala está en la escenografía. La vista del show a pie de pista deja varios momentos en la retina. En primer lugar, Carlos Jean y su mini concierto de media hora para, por un lado, patrocinar a su “Plan B” y a la marca Ballantine’s, y por el otro, poner a bailar a todo el recinto; en segundo lugar, la particular entrada de Marta Sánchez al escenario, subida en una moto conducida por el motorista Fonsi Nieto; en tercer lugar, la presencia de géiseres, láseres y focos sobre el tablado, que llenan de magia la interpretación de Juan Magán, Mohombi o “El Pescao”. Finalmente, la lluvia de espuma en la que aparece Shakira, en toda una actuación que invita, más que alentar el ánimo del público, a relajarlo. Sin duda, esta última  es el postre de una cena en la que los espectadores se convencen, casi por sí solos, de que han comido demasiado.

DOMINIO MUSICAL DEL DANCE Y EL POP. "El Pescao" pone en pie a todo el Palacio a la luz de una dinámica actuación | Diego León

Actuación de “El Pescao” durante la gala, 1:49 (TheDigor4, canal de YouTube.com)

La gala llega a su fin, y en este momento los clientes del gran comedor buscan la puerta de salida del recinto. El interior del Palacio retoma su imagen inicial, la de complejo deportivo. La música ha dejado de sonar, y en el aire solo quedan los comentarios de la gente. Palabras que expresan sentimientos, valoraciones o argumentos sobre el evento, sobre unos premios que, a cada segundo, recuerdan a la emisora que les da nombre: los 40 Principales. Ahora, en el escenario, queda el trabajo de un gran equipo, y en la mente del público, el efecto de dos sensaciones: la del pitido en el oído y la del buen sabor de boca. Sin embargo, al final todo lo anterior suma el rastro de una vivencia, de un episodio en el que, por un momento, un pabellón se ha convertido en restaurante, una canción, en un manjar,   y un espectáculo, en una gran cena.

Diego León

OMAR SOSA: “La música tradicional se basa en la improvisación, en lo que sientes y en el momento que te toca vivir”

FESTIVAL DE JAZZ DE MADRID 2011

Es martes por la tarde y el Auditorio Conde Duque de Madrid ofrece un concierto de jazz. Cuando este ha finalizado, la música deja de sonar y Omar Sosa abandona el escenario. Atrás, queda una actuación estelar. Desde lejos, el músico aún puede oír los aplausos del público, a los que responde con una sonrisa. Hasta aquí, parece que nada es nuevo para él, pero en el fondo es como si lo fuera, porque la magia del artista se renueva con los años.

ARTISTA DE JAZZ Y SABIDURÍA. El pianista cubano posa tras el concierto ofrecido en el Auditorio Conde Duque, en Madrid | Gladyspalmera.com

“Me considero jazzista desde el punto de vista filosófico”

En el Festival de Jazz de Madrid, esta realidad no es menos.  Al igual que Omar, una centena de intérpretes se agolpa a las puertas del evento, en busca de presentar sus proyectos. El del músico tiene voz de piano y se llama “Calma”. La misma calma con que él mismo habla de este álbum, de su vida en el escenario y del estilo musical que, a día de hoy, mejor le define: el jazz.

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Perfil

Mirada en trance, porte encorvado y dos manos que pasean por el teclado de un piano. Sobre el escenario,  Omar Sosa da vida a esas realidades, como el dibujante que plasma en el papel el esbozo de un retrato. Un retrato no solo basado en trazos, sino también en notas musicales,  en la música que emana, como si estuviera viva, de los dedos de un pianista. El mismo que el artista de jazz lleva dentro.

La vida de este músico se define por dos aspectos: espiritualidad y tradición. De carácter aguerrido, le gusta estar fuera de la política, vivir con libertad y tomar la religión como referente vital. Procedente de Camagüey (Cuba) estudió percusión en el Conservatorio de esta ciudad. Sin embargo, pronto él mismo se consideró como pianista. Como el joven de hoy que no puede despegarse de su Ipod, Omar Sosa no puede hacerlo del piano. Este instrumento le ha dado los mayores éxitos de su carrera, y ha puesto la voz principal de sus conciertos. A sus 45 años, se considera un ciudadano del mundo, ha viajado por casi todo el planeta y cree que su música tiene una misión: sincretizar el entorno musical cubano, africano y occidental. Desde hace doce años, vive en la ciudad de Barcelona, y ha lanzado sus discos a través de su propia compañía, Otá Records. Mientras tanto, el jazz sigue adherido a su vida, como la voz del saxofón que, sobre el escenario, acompaña a la melodía de su piano.

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Diego León. Muy buenas tardes. Veo que la actuación no le ha cansado para este encuentro. O, al menos, eso parece. Lo cierto es que, al verle ahí, subido en el escenario, la cara que usted muestra al público denota una gran experiencia. Por eso, no se me ocurre otra pregunta para empezar que la siguiente: ¿Cómo llegó  usted a esta música?

Omar Sosa. Vaya, casi siempre que me entrevistan la primera cuestión suele ser esa [risas]. Te cuento. Empecé a escuchar todo este tipo de música en el Conservatorio, cuando era estudiante, y esta caló en mí por su alma e impredecibilidad. También llegué a ella cuando conocí la obra de Thelonious Monk, llena de una profunda paz y libertad. Sin duda, creo que esta filosofía de la música fue una de mis mayores influencias.  Eso, además de la primera vez que toqué el piano. En ese momento, recuerdo que me sentí realmente feliz. Todavía hoy, cuando me siento mal me pongo a tocarlo y recupero la paz.

EL PIANO, SU INSTRUMENTO IDEAL. El artista, durante su actuación en el Festival de Jazz de Madrid | Irom.wordpress.com

“El jazz, como filosofía, es libertad”

D.L. ¿Cuándo surge la fiebre por el jazz y por la fusión en Omar Sosa?

O.S. Mira, para serte honesto, yo me considero jazzista, pero no desde un punto de vista musical, sino filosófico. Por dos razones: primera, el jazz está basado en la libertad y a partir de esta puedo ser yo; y segunda, no me gusta tocar el piano de una forma ortodoxa, sino como un percusionista. Digamos, por un lado, que soy un percusionista al que le gusta tocar el piano y que, como tal, no tengo gran formación jazzística. Pero también digamos que, en cualquier caso,  miro la música que hago como jazz desde el concepto y desde la libertad.

D.L. ¿Y ha sabido trasladar ese mensaje a los músicos, estos son, aquellos que en cada actuación se suben con usted en el escenario?

O.S. Desde luego. Lo primero que debe tener cada músico de mi entorno es la suficiente carga interior para poder transmitir la melodía con libertad. Por supuesto, no es fácil decir todo lo que te llega y todo lo que te llena al momento. Para eso, tienes que estar muy bien espiritualmente y muy equilibrado. Porque de lo que se trata es de transmitir la magia que puede haber de esa  libertad al público.

Omar Sosa, junto a sus músicos, en el Festival de Jazz Alley de Seattle 2005,  5:21 (Otarecords, canal de YouTube.com

D.L. Entiendo, pero imagino que para eso hará falta improvisación, al menos un poco…

O.S. Efectivamente, pero no solo con ella se logra el “milagro”. Además de eso, debes estar bien rodeado, contar con el apoyo de un buen equipo y, sobre todo, que surja una comunión entre los músicos. Si hay partitura, se hará respetando la partitura y si no la hay, dejándote llevar. Todo en función de las piezas que quieras tocar.

HOMBRE DE MENTE ESPIRITUAL. La religión es una de referencias de vida de Omar Sosa | Noticias.terra.es

 “Mi mundo espiritual es la esencia y la base de cada paso que doy en mi vida”

“No defiendo más bandera que la de la música y el arte”

D.L. Está bien. Ahora me gustaría hablar de la música que usted toca, el jazz. Me he fijado que este estilo viene de África, y, más concretamente, de los pueblos habitados por gente de raza negra. Por eso, dígame ¿sus melodías sirven de difusión de la cultura africana? Si es así, ¿en qué sentido?

O.S. En cierto modo, mi música es un lenguaje para mostrar su historia, sus sentimientos, sus momentos. Este hecho lo profundicé sobre todo en 2010, cuando realicé un tour por África. Mi equipo y yo estuvimos en Kenia, Etiopía, Zambia Burundi, Namibia, las Islas Mauricio, las Islas Reunión, Madagascar y Sudán, países en los que pudimos grabar con músicos tradicionales del lugar. La experiencia en ellos me demostró que el espectro de la música en el mundo es mucho más grande del que se ve en Occidente. En este sentido, la grabación fue mi manera de contribuir allí con un legado musical, es decir, con melodías que enriquecieran la tradición y la cultura de esos lugares. De hecho, la idea fue es llevar discos a este continente, quinientos a cada país, que al final serán distribuidos por la Alliançe Française, la asociación que sustenta el proyecto.

D.L. Y, a propósito de todo ello ¿de dónde viene su devoción por esta  música?

O.S.Verás, parto siempre de que mi mundo espiritual es la esencia y la base de cada paso que doy en mi vida. Después está la música, que vendría a ser una de las voces de ese mundo. Esto ha sido así en mí desde siempre. Ahora bien, mi afinidad al jazz y a los pueblos de África llegó en un momento más tardío. Todo empezó a mis 29 años, cuando acudí a visitar a un padrino mío dedicado a la santería católica.

D.L. ¿Qué pasó?

O.S. Tras presentarnos, le revelé mi interés en componer música relacionada con la etnia y cultura africanas. Acto seguido, él se acercó a mí y me dijo: “Omar, a partir de hoy tienes una misión”. Me quedé realmente extrañado, y al principio no le di mucha importancia a esas palabras. Sin embargo, al poco tiempo me fui a vivir a la parte negra de Ecuador, donde el sincretismo lo inundaba prácticamente todo. Lo cierto es que a mí también me debió afectar, porque, desde entonces, mi labor de músico consistió en sincretizar Occidente con África.

D.L. Y vista su experiencia ¿qué cree usted que hace tan especial esa música?

O.S. En mi opinión, lo especial que tiene es la autenticidad. Tú vas a África, y vas a un sitio y ellos te tocan melodías que vienen de tradiciones orales, que han pasado de abuelos a hijos de generación en generación. Pese a que gran parte de esta música se está perdiendo –debido a la occidentalización del planeta- esta aún se conserva en ciertos lugares del continente, donde todavía las ceremonias son el plato principal de la vida comunal. Te hablo de zonas en las que cualquier tipo de festejo necesita algún fondo melódico, como una misa, un entierro, un nacimiento, etc.

D.L. Bien. Ahora una pregunta sobre su país natal. Cómo músico cubano que es usted ¿qué tal ve la situación musical de su país?

O.S. La música está ahí, y sus raíces también. Lo que pasa es que la necesidad de supervivencia hace que muchas cosas cambien la dirección en muchos ámbitos de la cultura. A día de hoy, yo estoy convencido de un hecho, y es de que en Cuba hay muy buenos proyectos musicales. El problema es que estos no son lo suficientemente potentes para exportarlos, aunque podrían serlo ¿Cómo? Si se enfocase en Cuba la cultura con la fuerza que tiene. De todas formas, la política es un tema en el prefiero quedarme fuera, porque yo no defiendo más bandera que las de la música y el arte.

D.L. Y dígame. Según usted, ¿qué papel tiene hoy el jazz en la cultura de los pueblos, en general?

O.S. En mi opinión, parece que este estilo va perdiendo influencia en ellos, en favor de otras músicas. El jazz, como filosofía, es libertad. Es lógico que este estilo evolucione y se vaya comunicando y fusionando con otras músicas. De hecho, justo ese ha sido mi camino.

D.L. De acuerdo. Hablemos ahora del último trabajo que usted ha editado, “Calma”. El título,  por sí solo, me llama mucho la atención, así como el hecho de que en el disco  el único instrumento sea el piano. Así que cuénteme ¿cómo nace este proyecto?

O.S. Nace con el deseo de expresar una serie de emociones y reflexiones de un momento determinado. En una estancia en Nueva York entré un día en el estudio y grabé unas dos horas, de las que más tarde hice una selección que devino en lo que es “Calma” (ing). A  propósito, siempre he dicho que más que hablar de música, me gusta tocar y hablar de mis humildes experiencias. Por eso, decidí componer el disco a piano solo, para contar las vivencias que viví al grabar junto al instrumento.

Pista del tema “Dance of Reflection”, integrado en el disco más reciente de Omar Sosa, 3:41 (Disact, canal de YouTube.com)

D.L. Pero este disco no ha sido su único éxito. Al contrario, esta palabra -“éxito”- parece haberle sido fiel en su carrera, en un mercado -el musical- que, como usted sabe, es un terreno cada vez más espinoso para el artista. ¿Cómo es que todavía usted aún no ha conseguido un Grammy?

O.S. Para serte sincero, no me preocupan los premios. Al principio, ganar un Grammy me parecía un reto interesante, pero ahora mismo no me importa. Si por casualidad me lo dieran, perfecto, pero si no, yo estaría igual de tranquilo. En este momento, lo importante para mía es continuar con el trabajo que me hace sentir vivo, que es la música, y seguir aprendiendo de su mundo.

D.L. Ya estamos llegando al final. Solo un par de preguntas más. Si los datos no me fallan, desde 1997 hasta ahora, en 2011, usted ha grabado un total de veintidós discos. Sin duda, un rastro importante en el mundo del jazz y, por qué no, de la música en general. Teniendo en cuenta la actual crisis discográfica, ¿cómo valora usted el trabajo realizado? 

O.S. Como amante que soy de la música, me siento orgulloso de poder seguir de frente en el mundo discográfico, donde cada vez es más difícil grabar un disco físico. Hasta hoy, he hecho lo que he querido, veintidós discos felices con mi propia compañía discográfica, Otá Records. Por ello, me agrada saber que mis trabajos están ahí, y también que la música que hago es casi para coleccionistas [risas].

MÚSICO CON ALMA DE PIANISTA. Con “Calma”, Omar Sosa presenta un disco en el que el piano es el protagonista | Dooplan.com

“Cada vez adoro más tocar y presentar mi música en directo”

D.L. Antes de acabar, quisiera resolver una curiosidad sobre usted. En un evento como este, el del Festival de Jazz de Madrid ¿qué pasa por su cabeza cuando interpreta su música en directo?

O.S. Si te soy sincero, realmente no pienso, solo siento y transmito lo que pasa a través de mí en el escenario. No sé cómo explicarlo. Lo que sí te diré es que cada vez adoro más tocar y presentar mi música en directo.

D.L. Para terminar, ¿en qué se basa la música tradicional, según Omar Sosa?

O.S. En la improvisación, en lo que sientes y en el momento que te toca vivir.

Diego León 

El country de Taylor Swift arrasa en los American Music Awards

La cantante de countryestadounidense es la vencedora de la 39 edición de los American Music Awards (AMAs) gala celebrada esta madrugada en el teatro Nokia de Los Ángeles. La intérprete se ha alzado con tres premios, entre ellos el de Mejor Artista del Año, sobre un escenario pisado por multitud de artistas. Jennifer López, Adele, Beyoncé o Bruno Mars han sido otros de los galardonados en una noche única para la música.

T. Swift posa con los tres premios tras el cierre de la gala | Madrisphere.com

La ceremonia ha estado marcada por la lluvia y por las ausencias de estrellas de la música como Lady Gaga, Beyoncé, Rihanna o Adele. Si bien la primera no ha obtenido premio, la última se ha impuesto en tres categorías, Artista Favorita en pop/rock, Álbum favorito en pop/rock por “21″ y Artista favorito adulto contemporáneo. Sin embargo, ello no le ha permitido superar a Swift, la gran triunfadora de esta edición.

La cantante, recibe eufórica el premio a la Mejor Artista del Año | Sanfranciscosur.com

“Estos premios son una de las cosas más increíbles que me han dado nunca”, ha declarado Swift tras recibir las tres estatuillas que la coronan: Artista del Año, Mejor Artista Femenina y Mejor Álbum (Speak Now) en la categoría de Música Country. La artista ha sido premiada tras la entrega al premio a la Mejor Banda de Rock al grupo Maroon .

Los tres momentos de la noche en que Taylor Swift recibe un premio, 6:13 (Lunadiesel, canal de YouTube.com)  

Si Taylor Swift ha triunfado en country, Jennifer López lo ha hecho en la categoría latina (YouTube.com, 6:15 ing), mientras que Bruno Mars en pop/rock (YouTube.com, 2:49)  por delante del otro nominado a Artista Favorito en este estilo, Justin Bieber. Así pues, el premio en rap/hip hop ha sido para Nicki Minaj, con cuya música se había iniciado la gala (YouTube.com, 5:47)  en soul, para Beyoncé (YouTube.com, 2:25, ing)  y, por último, en R&B, para Rihanna (YouTube.com, 1:59).

La entrega de premios estuvo caracterizada por el protagonismo de las actuaciones musicales, de entre las que destacaron las realizadas por los artistas latinos. Estos,  junto con el grupo LMFAO (YouTube.com, 3:13), fueron responsables de los momentos más vibrantes del evento.

Los premios AMAs fueron creados en 1973 por el productor Dick Clark (ing) a modo de tributo a los artistas más populares del momento en la escena musical en EE.UU. y desde hace cinco años sus ganadores se deciden por votación popular a través de la red.  

                                                                                                                                                                                                                                                     

Diego León  

Akon: nuevo eco del R&B latino

El artista senegalés presenta un nuevo single junto al cantante dominicano Omega. Este trabajo supone el salto de Akon al panorama musical de Latinoamérica. Hoy por hoy, el rapero se encuentra en una etapa dulce como intérprete y productor musical. Su popularidad actual se basa en un estilo virtuoso y la frecuente colaboración con otros músicos. De momento, el mercado latino lo recibe con los brazos abiertos. Pero, ¿hasta qué punto?

UNIDOS POR LA MÚSICA. Omega (izda.) y Akon en un concierto en Santo Domingo

El tema se llama “El Producto” y servirá para promocionar mundialmente al cantante latino Omega. El sencillo ya recorre Latinoamérica y se presenta en forma de concierto. Por este motivo, Akon aprovecha el evento para dejar su huella en la música latina. En cierto modo, el artista ya había cantado antes con otros músicos latinos, pero nunca había pisado un escenario con ellos. La nueva realidad de Akon merece gran atención, especialmente si se mira a la trayectoria musical del artista.

Un tambor africano –el Djembé-, una gorra de rapero o un uniforme de preso son  objetos que han pasado por la vida de Akon y que, al mismo tiempo, permiten saber más de él. Nacido en St. Louis, pero criado en Senegal, el artista seguía de pequeño los pasos de su padre, el percusionista de jazz Mor Thiam. En los años ochenta, regresa a Nueva Jersey, Estados Unidos, decisión que le sirvió para descubrir el hip-hop y la delincuencia. El artista estuvo encarcelado tres años, un tiempo que aprovechó para trabajar en sus ideas musicales.  A su salida, él mismo realizó unas maquetas que, gracias a las gestiones de su manager Devyne Stephens, encontraron hueco en los despachos de SRC/Universal.

Desde el inicio, Akon se presentó al público como rapero. La cultura del hip-hop había vuelto a su vida, y lo tomó como inspiración para componer y producir sus propios temas. Su inmersión en la música  se notó en su primer álbum, Trouble (2004), con sencillos como “Guetto”, “Bananza (Belly Dance)”, Journey”,“Lonely”, “Show Out” o “Locked uP”. Un proyecto en el que artista irradió sus primeras muestras de talento. A partir de ahí, el camino era el propio de una joven promesa musical.  Pero el mérito no acababa ahí.

DEL RAP DE LA CALLE AL ÉXITO MUNDIAL. Desde el principio, el hip-hop ha marcado la vida del rapero

Después de aparecer junto a Young Jeezy en “Soul survivor”, de su segundo disco A Star is Born (2005), las colaboraciones del rapero se multiplicaron. En Konvicted (2006) Akon demostró su talento como colaborador musical. De este trabajo, los singles más notorios fueron “Smack that”, interpretado junto a Eminem, y “I Wanna Love You”, en el que participó Snoop Dog. Tras la publicación del álbum Da Spotilight (2007), el éxito de Akon se hallaba en pleno vuelo. Freedom (2008) dio a conocer a un Akon más maduro,  con un single muy laureado, “Beautiful”.

La llegada de nuevos discos, como One Man Band Man (también en 2008) Akonic o Stadium (ambos en 2010) siguió también la senda del éxito. Ambos proyectos detonaron a la estrella del hip-hop que hoy es Akon. Temas como  “Angel” o “Takin’ It Off”  reforzaron al artista en ese puesto, y ni siquiera en su último disco, Koncrete, Give It To Em (2011), su  fama dejó de crecer. Por el momento, en este trabajo se encuentran temas y duetos que ya prometen, como “Mr. Right Now” o “You Girl”, al lado de Pitbull y Sean Kinsgton, respectivamente.

MÚSICO Y PRODUCTOR MUSICAL. El artista ha colaborado con infinidad de artistas

El éxito de Akon goza de un ingrediente especial: las colaboraciones. En ellas, su voz se complementa con la de otros artistas, pero en ningún caso la interrumpe o pisa. Puede resultar extraño que el éxito de un cantante se base en interpretar junto a otros como él. Sin embargo, la fama que hoy tienen ciertas canciones y videoclips de rap, dance o R&B indican que la estrella de Akon no reluce en vano. A la fama del músico han contribuido un amplio abanico de artistas, sin contar los ya nombrados: en hip-hop, 2Pac, con“Ghetto Gospel” o 50 Cent, con “Old Times”; en R&B, Mohombi, con “Dirty Situation” o Beyoncé, con “Be Halo With You” ; en pop, Gwen Stefani, con “Sweet Escape”, Leona Lewis, con “Forgive Me”, Lady Gaga, con “Just Dance”, Madonna, con “Celebration”, e incluso en house, David Guetta, con “Sexy Bitch”.

Además de estas colaboraciones, hay que añadir dos más: por un lado, el tema que Akon interpretó junto a Keri Hilson, “Oh, Africa” para promocionar la campaña de Pepsi sobre el mundial de fútbol 2010; por el otro lado, los dos temas que grabó junto a Michael Jackson, “Wanna Be Startin’ Somethin’”, en 2008 y “Hold my hand”, en 2010, un año antes y otro después de la muerte del ‘Rey del Pop’.

Sin embargo, la carrera del rapero no se explica si se ignora el otro gran oficio de este: productor musical. A día de hoy, Akon es propietario de un sello discográfico, Konvict Muzik (ing.), y una productora, Kon Live Distribution (ing.) cuya web se encuentra en reparaciones, pero que tiene dentro de su catálogo a estrellas de la talla de Lady Gaga, Leona Lewis o Colby O’Donys, entre otros. Curiosamente, muchos de estos son intérpretes con los que el rapero ha colaborado alguna vez.

Los mejores 20 temas de Akon,
según JK SHADY (canal musical de YouTube)

Tras todo ese recorrido, ahora la estrella del hip-hop anda en un nuevo mercado: el latino. Sin embargo, el cantante afirma que la ayuda de Omega ha sido clave en tal proceso. Precisamente, este último colabora ahora para la discográfica de Akon.  La estrella del hip-hop reconoce “amar la comunidad latina y la música de esta”. “Siempre están haciendo música increíble, aunque la melodía fue lo que captó mi atención, pues mi español no es muy bueno”.

Grabación del videoclip “El
Producto”. Vídeo oficial ‘Detrás de cámaras’

Aún así, no es la primera vez que Akon canta con músicos latinos. La voz de la estrella se había unido ya a la de Daddy Yankee, con “Bring It On”Aventura, con “All Up To You” o Zion, con “The Way She Moves”. No obstante, el rapero distingue estos casos de su nexo con Omega: “Más que una experiencia fue como un sueño, en que puedo salir de mi estilo y hacer algo diferente y ser exitoso”. En este sentido, gracias al músico dominicano  la estrella ha podido acceder a este mercado “sin parecer ridículo”.

Concierto en vivo con Omega en República Dominicana

Estas son las imágenes que muestran la actualidad de Aliuane Badara Thiam, más conocido como Akon. Un rapero que aprendió a sentir la música a partir de un djembé, pero que después interpretó como él quería a través el hip-hop.  Si se compara al Akon adolescente con el de ahora, en la mente se crea la imagen de unos barrotes, los de las puertas de una cárcel que un día se abrieron para él. La vida le daba otra oportunidad,  y la actual retrato del rapero demuestra que este la ha sabido aprovechar. No solo para encontrarse como músico, sino también como persona. Él mismo así lo señala: “La prisión fue una experiencia positiva, porque me hizo quien soy hoy. Si no hubiera pasado por eso, no sabría dónde estaría actualmente”.

Es difícil augurar si Akon triunfará realmente en este mercado, pero no tanto que su mérito pasará inadvertido. Porque la estrella del R&B ha validado un hecho: el de sobrevivir al día a día, y partir de ello como inspiración de su música. Con frecuencia, las canciones de un músico nacen de su mente, pero también de su corazón. Si el cantante lo hace bien, oyente y melodía se encuentran casi sin darse cuenta. Este proceso se cumple a menudo en Akon: desde el inicio, casi antes de empezar la canción, su voz penetra en el oído y le avisa de que, en breve, esta fluirá dentro de él, del concierto que cada cual escucha en su escenario más íntimo: la mente.  En cualquier caso, la metáfora no se va, sino que sigue ahí: en la mente de Akon está una estrella de hip-hop; en la de la música, el nuevo eco del R&B latino.

VOZ, MELODÍA Y ESTILO ÚNICOS. De momento, la estrella de Akon brilla en todo lo alto

Diego León 

Spotify: música legal, “streaming” social

Música, músicos y streaming musical. Desde el principio, estos han sido los términos que definían a Spotify. Ahora, a ellos se une uno nuevo, el de red social. Porque la aplicación sueca se ha aliado con un gigante de Internet, Facebook. El objetivo para ambas: aprovechar la música como elemento social. Por ello, Spotify confía en el streaming o acceso inmediato al contenido online, y apuesta por él para reducir la piratería.


AMISTAD A RITMO DE SPOTIFY. Los usuarios de Facebook lo serán también de la aplicación musical | Gabatek.com

Desde septiembre, los seguidores de Facebook y Spotify están más unidos. Para la red social, la fusión supone compartir música de forma rápida, fácil y en muchos casos gratuita. Para la aplicación musical, es expandir una idea aún muy joven pero que aspira a ser duradera. A partir de ahora, los usuarios del gigante de Internet verán las canciones que sus amigos escuchan, las listas de reproducción que hacen, y las bandas que descubren, todo a través de Spotify, nombre que hoy se abre hueco en la jerga digital.

Fusión Spotify-Facebook, 00:50 (Spotify, canal de YouTube.com)  

Con sedes en Inglaterra y Suecia, Spotify se presenta como un desarrollador de contenidos. Creada por Daniel Ek en 2006, la empresa Spotify AB lanzó la aplicación  en 2008, pero entonces únicamente al mercado europeo. El servicio era fácil y concreto para el usuario, permitiendo a este escuchar en streaming temas musicales sin necesidad de pago. Mientras, otros usuarios podían buscar los contenidos por artista, álbum o listas de reproducción, al igual que crearlos ellos mismos. El objetivo final de la plataforma era facilitar el intercambio a través de la red. Una iniciativa que, desde el principio, aplaudió la industria musical. La compañía sueca pronto firmaría acuerdos con las principales discográficas: Universal Music, Sony BMG y Warner Music, entre otras.

2009 sirvió para que Spotify realizara sus primeros cambios, empezando por alterar la oferta musical. Esta medida eliminaría las canciones de los artistas que no estuvieran de acuerdo en aparecer en Spotify, y se añadirían restricciones regionales a algunos temas. En aquel momento, la plataforma había adoptado una estructura definida e inalterable, basada en cuatro tipos de cuentas o usuarios: Free y Open, si eran gratuitas y Premium y Unlimited, si eran de pago.

La situación cambiaría en mayo de 2011, cuando Daniel Ek, CEO de Spotify, explicó en el blog oficial de la empresa que las cuentas Free –accesible solo mediante invitación y sin límite de escuchas-  y Open -abierta a todos pero con tope mensual de reproducción- adoptarían las mismas características: si el usuario quería escuchar música gratuitamente, solo podía hacerlo un máximo de diez horas al mes, con la condición de no reproducir el mismo tema más de cinco veces. No obstante, el usuario siempre contaba con acceder a ella pagando una suscripción. Ese es el objeto de las cuentas Premium –escucha preferente, de más calidad y en varios dispositivos- y Unlimited -reproducción única en ordenador y sin restricciones-. Ek justificaba los cambios de este modo: “Para ofrecer música gratis, tenemos que ponerle límites”.

FORTALEZA DEL ÉXITO. Sede de Spotify en Estocolmo, Suecia | Wikipedia.org

Lo cierto es que esta última medida sigue vigente hoy en día. Pero ello no ha quitado mérito a Spotify, sino al contrario. Actualmente la compañía posee 10 millones de usuarios, de los cuales 2 son suscriptores de pago o Premium. La cifra total se reparte entre los ocho países en los que la entidad sueca está disponible: Suecia, Noruega, Finlandia, Holanda, Reino Unido, Francia España y Estados Unidos, el último en incorporarse hace ahora tres meses. Aún así, la empresa quiere expandirse a los demás países del globo, proyecto al que Lutz Emmerich, responsable de Spotify en España, se refiere de este modo: “Nuestro sueño es poder ofrecer la música en todo el mundo. Sin embargo, el mundo es muy grande y tenemos que priorizar; estamos viendo hacia dónde”.

El último gran impulso a ese deseo ha sido la unión con Facebook. El acuerdo afectará a ambas compañías en dos sentidos: por un lado, cada usuario de Spotify deberá tener una cuenta en la red social, y por el otro, esta última permitirá a aquel escuchar música “en privado” sin que los temas que este  haya oído aparezcan en el muro de su perfil. Así, señala Lutz Emmerich, “las dos aplicaciones se han unido para hacer la música más social”. El responsable de la compañía sueca  en España también ha precisado que los usuarios ya podían publicar actualizaciones con su actividad en Spotify anteriormente. La diferencia es que antes, si se vinculaban ambas cuentas, Facebook publicaba por defecto todas las canciones que escuchaba en Spotify, sin que hubiese posibilidad de cambiar esa configuración.

UN NEGOCIO REDONDO. Mark Zuckerberg, CEO de Facebook (izda.), y Daniel Ek, CEO de Spotify (dcha.) | Gabatek.com

Otra de las grandes claves de la plataforma musical es la popularidad que atesora entre los artistas. En este sentido, Spotify se lleva la palma de ser tremendamente adorada. De hecho, los intérpretes cuelgan allí sus creaciones, a veces incluso antes de que el disco salga a la venta. Sin embargo, también hay músicos reticentes a colaborar con ella. Es el caso de cantantes desconocidos, como Magnus Uggla, pero también relevantes, como Coldplay, The Beatles, Tom Waits o Metallica. Si se atiende al género musical, el heavyes actualmente el más reacio a unirse a la compañía.

SORPRESA PARA LA MÚSICA. Con Spotify, el usuario puede escuchar canciones de forma gratuita y legal | Pisitoenmadrid.com

La trascendencia de Spotify ha calado hondo en el mercado musical, hasta el punto de que la empresa ya puede hablar de futuro. En principio, le toca competir con dos rivales: la nueva aplicación lanzada por Google, Google Music, por un lado, y los nuevos teléfonos Lumia de la finlandesa Nokia, por el otro. Además, el responsable de la compañía sueca en España, Lutz Emmerich, adelanta que perfeccionará el servicio en otros aparatos, como la televisión, las Blackberrys y los iPads, además de la aplicación ya disponible para móviles Android, iPhone, Symbian y Palm ya que, según él, “los usuarios quieren acceder desde cualquier dispositivo a sus contenidos”.

Dispositivos que contienen Spotify,  1:02 (Spotify, canal de YouTube.com)

Hay veces en la vida en que lo grande parece pequeño, y lo pequeño, grande. Con frecuencia, una buena idea está ahí, perdida, aislada y en apariencia vacía. Es entonces cuando, repentinamente, esa idea se rebela y se anima a surgir. Pero no lo hace de cualquier modo, sino por casualidad,  por azar, de forma que la mente que la obtenga no sepa cómo ni por qué se le ha ocurrido. De pronto, la idea cambia totalmente de imagen: ya no es perdida, sino hallada, ya no es común, sino original, y ya no es hueca, sino que puede llenar la vida de quien la ha tenido, convirtiendo todo cuanto este veía pequeño en grande. Una idea como esa surgió en 2008, y el sujeto que la tuvo, Daniel Ek, decidió llamarla Spotify.

Los cambios en la compañía sueca ya se hacen notar. Desde hoy, la red social Facebook permitirá que un usuario conozca ‘musicalmente’ a otro, sin trámites, sin preámbulos, sin actos ilegales y, si se quiere, sin ningún tipo de pagos. Las discográficas lo ven bien, los artistas –aunque no todos- también. Por muchas razones, pero quizá por una en particular, y es que las grandes ideas merecen compartirse. La música, es un mundo mágico y persuasivo; el streaming, una forma de llegar a él. No importa el formato. Tampoco el dispositivo. Lo importante es que la melodía llegue rápida a quien, por hastío o deleite, la lleve consigo a cualquier parte.

Qué es Spotify, 1:05, ing (Spotify, canal de YouTube.com)

Diego León 

Carlos Santana: de maestro de las cuerdas a salvador de la niñez

Su música, un juego de acordes, su talento, un don casi divino. Desde sus inicios, Santana siempre ha sabido sacar jugo de sus cualidades, logrando discos, giras, conciertos o éxito internacionales. Ahora, el guitarrista está entregado a una causa: la educación de los jóvenes en México. Lo hace de la forma que mejor sabe, sobre el escenario y a ritmo de guitarra. Además, el músico mexicano lanzará su autobiografía. Todo para invertir en ayudas a los estudiantes mejicanos.

DE MARIACHI A ÍDOLO MUNDIAL. Santana es actualmente uno de los mejores guitarristas del mundo

  

La leyenda de Santana tiene su cuna en San Francisco, ciudad a la que el músico emigró con su familia a principios de los 60. Motivado, un Carlos veinteañero decide formar una banda, Santana Blues Band, junto con un grupo de amigos, entre los que se encontraban el pianista Gregg Rolie y el batería Michael Shrieve. Junto a la discográfica Arista Records, el número de conciertos creció con rebeldía. Hasta despertar definitivamente en 1969 en el Festival de Woodstock, donde los jóvenes impresionaron al presidente de la discográfica Columbia Pictures. De hecho, este no iba a tardar mucho en firmar con ellos, ni tampoco en lanzar el primer disco grupal, Santana (1969).

La primera piedra de ese proyecto fue el single “Evil Ways”, tema que encabezó las listas de éxitos estadounidenses. Un año después, el grupo musical publicó un nuevo álbum, Abraxas (1970), que siguió la senda del anterior trabajo. Sin embargo, el estilo de la banda no acabó de aflorar hasta la tercera publicación, Santana III (1971). El contenido de este disco fusionaba elementos de la música latina con sonidos del blues, el jazz y el rock, relación que se perpetuaría en los proyectos posteriores, como Caravanserai (1972) o Welcome (1973).

Santana Blues Band se recicló con otros tres discos: Love, Devolition, Surrender (1973), Amigos (1976), Marathon (1979), y Blues for Salvador (1987), tras investigar nuevas fuentes de sonido. Pero ello no fue excusa para que Santana, entonces líder del grupo, decidiera ir por separado. El músico publicó un año después “Viva Santana”, en el que interpretaba en solitario los éxitos de sus primeros veinte años, desde Guajira o Jingo hasta “Europa”, “Daugther of the Night” o “Black Magic Woman”, e incluyendo el propio “Evil Ways”.

EL INICIO DE UNA ESTRELLA. Carlos Santana, en sus comienzos con la ‘Santana Blues Band’ (años 70)

Hasta los años noventa, la discográfica que acompañó al artista fue Columbia Records, pero los álbumes Milagros (1990) y Supernatural (1999) se publicaron con un nuevo sello: Polydor. Precisamente, este último trabajo le consagró como guitarrista del momento, al ganar con él ocho premios Grammy’s en el año 2000, entre ellos el de Mejor Álbum del Año, Mejor Álbum de Rock y Mejor Álbum Pop del Año. De hecho, el éxito en ventas del CD le equiparaba a Michael Jackson con Thriller, tras generar más de veintiún millones de copias vendidas.

Alcanzado el prestigio mundial, el cambio de siglo no estancó al cantante. Al contrario, sus discos se extendían como la pólvora: Shaman (2002), Moonflower (2003), All That I Am (2005), y Ultimate Santana (2007) fueron  pruebas simples del virtuosismo de Santana a la guitarra y que evidencian su actual consideración como el 15º guitarrista de todos los tiempos, según la revista Rolling Stone. Hace más de un año ha publicado su último proyecto, Guitar Heaven…The Greatest Guitar Classics of All Time (2010), en el cual rinde homenaje a grandes maestros de la guitarra, como Eric Clapton, Led Zeppelin, los Rolling Stone, los Beatles y Jimmy Hendrix, y que supera a todos sus trabajos anteriores en colaboración.

Pese a todo, esta sucesión de éxitos no solo ha derivado del artista, sino también del instrumento por el que se le conoce. La guitarra, en manos de Santana, actúa como un intérprete: puede hablar varios idiomas o, si se prefiere, distintos estilos musicales. Así, la música del guitarrista traduce melodías al lenguaje del latin de Maná (Corazón Espinado) la salsa de Tito Puente (Oye como va) el r&b de Wyclef Jean (Maria Maria) el reggae-dancehall de Sean Paul (Cry Baby Cry) el rock de Nickelback (Into The Night) y Steven Tyler (Just Feel Better) o el pop de Michelle Branch (Game of Love), Michael Jackson (Whatever Happens; Give Into Me) o Matchbox (Smooth).

De momento, el cantante acaba de celebrar un concierto en León, en el central estado de Guanajuato (México). En él ha presentado todos sus grandes éxitos, y los fondos se han destinado a una obra benéfica, donde la principal implicada es la niñez. Para el artista, la música es “una forma de educar, y la educación, un modo de acabar con la violencia y la brutalidad”. Por ello, este concierto, llamado ‘Una Noche con Santana (SDCC) Sonido de Conciencia Colectiva Tour’, lo dedicó a todos los niños mejicanos, con la finalidad de que tengan la oportunidad de una formación integral y un mejor futuro.

MAESTRO EN EL ESCENARIO, Y FUERA DE ÉL. El guitarrista ha conquistado el corazón de los mejicanos.

Santana considera a su música una vía a través de la cual lleva un mensaje, en el cual busca proveer de paz y armonía a quienes escuchan sus melodías. “Mi propuesta de sonido no una revolución de violencia, sino una evolución de compasión”. Además, “entre más invirtamos y demos muchísima educación a las personas, más sabrán valorarse a ellos mismos y no podrán hacerle daño a otras; entre más educa uno a la gente, nos educamos a nosotros mismos y menos tiene uno tendencias de ser una bestia brutal, sin compasión”, añadió sobre un proyecto que emprendió a favor de la educación de la juventud.

Uno de los organismos beneficiados por esta iniciativa será el Centro Fox, organizador del concierto ‘SDCC’ de Santana. Dirigida por el ex presidente mejicano Vicente Fox, la institución está orientada a formar como líderes a quienes carecen de oportunidades en México. “Carlos Santana tiene particular cariño por los niños de este país. Él mismo fue un niño sin muchas oportunidades al principio y a base de trabajo, salió adelante. Por eso, yo espero establecer una relación con él para que inclusive siga respaldando este esfuerzo con los jóvenes”- señala Fox.

Por otro lado, el guitarrista lanzará su propia autobiografía, pues aunque existen ya dos biografías en el mercado sobre él, este considera que esas personas no lo conocen, y que solo él podría dar a conocer la verdadera perspectiva de su vida. Aún no se sabe la fecha en que se publicará el libro,  el músico declara que con él busca “ayudar a los jóvenes, por un lado y, por el otro, “obtener la respuesta de ellos cuando lo adquieran”.

A estas alturas de su vida, Santana sabe que su relación con la música trasciende lo meramente musical y que las melodías que compone pueden servir para ayudar a los demás. “El mensaje y la melodía son inseparables, ya lo decía Jonh Lenon: ’Queremos un mundo donde haya paz’. Un pensamiento positivo crea millones de vibraciones positivas y muestra el poder del amor al prójimo” -comentó el guitarrista. Además, sentencia con unas palabras que expresan su labor caritativa hasta el momento: “Lo más increíble que he experimentado en esta vida es ver a una persona llorar y brincar de alegría a la vez. Eso quiero hacer con mis música”.

Dicen que el músico no nace, sino que se hace. Que las notas están ahí, y  solo hay que ordenarlas. Que el instrumento es independiente de quien lo toca. Sobre el escenario, una guitarra Paul Reed Smith le chiva a Santana que  esta vez esas verdades flaquean. Que los hijos de la música son las canciones, y que estas pueden valerse de una sola voz: la de las cuerdas. No se sabe si por dicha, talento o gracia divina, pero a día hoy, el pequeño Carlos, ese que al principio imitaba a su padre y luego a otros genios musicales se ha convertido en un mito. A sus 64 años, él éxito es un eco que le sigue como un profundo trance, el que siente cuando su guitarra parece cobrar voz y él hace lo que ella le pide. Es el fruto de una relación que va más allá de los estilos, y para el que Santana ahora reserva un solo destino: salvar la niñez.

MIRADA AL CIELO POR LA SOLIDARIDAD. Santana y su música servirán de ayuda a la niñez

Diego León

Ricardo Arjona, la voz del ‘éxito independiente’

El cantautor publica un nuevo disco y se divorcia de las discográficas 

‘Independiente’, el nombre del disco e independiente, el autor que lo firma. Ricardo Arjona vuelve a la cima del panorama musical, pero esta vez junto a una nueva discográfica, la suya propia. En la presentación del álbum en México, el artista justifica su decisión de emanciparse. Tras su formidable lista de éxitos, el cantante denuncia ahora la crisis de la industria discográfica y plantea un nuevo camino para la música.

POR FIN, ‘INDEPENDIENTE’. El cantautor se siente “ok” con la presentación de su disco

El cantante, de origen guatemalteco, se convierte así en el primer músico latino que deja una casa discográfica, en este caso Warner Music, y el primero que al hacerlo no se baja del éxito. ‘Independiente’ será su trabajo número 16. “Elegí parar de quejarme e intentarlo por mi cuenta” señala el músico. Su idea ahora es editar sus discos con su propio sello discográfico, llamado Metamorfosis, el cual contará con oficinas en Miami y México. Además, esta nueva empresa acogerá no solo la carrera del artista, sino también la de otros.

Pero hablar de Ricardo Arjona es hablar de un músico lleno de éxitos. Basta echar un vistazo a sus letras, sus singles, sus álbumes, sus giras mundiales y, en suma, sus dotes como cantautor. Han pasado 15 años desde que el artista se dio a conocer con su primer disco, Déjame decir que te amo (1985), producido por la compañía guatemalteca Barca Dideca. Por entonces, el autor tenía 21 años, pero ni el proyecto ni la canción que presentaba resultaron de su agrado, lo que le llevó a dejar la música profesional. Sin embargo, seis años después regresó con otro álbum, Jesús, verbo no sustantivo (1990). Las altas ventas de este trabajo supusieron la revelación final de Arjona, tratado ya como una joven promesa de la música en Latinoamérica. Con Del otro lado del sol (1991), publicado un año después, el éxito parecía llegar, pero el cantautor tuvo que esperar a Animal Nocturno (1993) para alcanzar fama internacional.

La nave del cantante ya había tomado vuelo. Sin embargo, el piloto no era el propio artista, sino la empresa discográfica Sony Music. Desde 1993 hasta 2005, esta compañía dirigió todos los trabajos del cantautor, convirtiendo temas como “Mujeres”, “Historia de un taxi”, “Ella y él”, “Dime que no”, “Cuando” o “El Problema” en singles. El  álbum Adentro (2005) y la canción “A ti”, incluida en este, concluyeron la relación entre el músico y la compañía. No obstante, el artista se encontró casi de pronto con otra empresa, Warner Music. El siguiente paso fue la presentación de Quinto Piso (2008) y, Poquita ropa (2010), proyectos con los que el artista se consagró definitivamente en el panorama musical mundial.

CANTAUTOR. La guitarra acompaña a Arjona donde quiera que este va

Ahora, Ricardo Arjona presenta Independiente. Y lo hace sin presiones, con libertad plena para publicar los temas. 14 canciones dan vida a este álbum, que ya cuenta con un single, “El Amor” y suena en las radios de Latinoamérica. Por el momento, el CD arrasa en las tiendas, tanto físicas -disco de Platino en Argentina y Venezuela, además de oro en Estados Unidos, México, Chile, Colombia y Centroamérica, como virtuales – preventa en portales de ITunes en México y Estados Unidos-. De la distribución del disco se encarga Warner Music, pero solo hasta que Metamorfosis adquiera hegemonía propia.

A estas alturas, una realidad queda clara: Arjona se dispone a dar un nuevo enfoque a su carrera. Pero, en plena cumbre del éxito ¿qué motivos pueden haberle impulsado a ello? El músico responde así: “Es lo que quería desde hace tiempo y de alguna manera lo relaciono con lo que pasa con los matrimonios, cuando se dividen, cada uno habla mal y se queja de la situación, pero la pregunta es ¿qué haces ahí?, uno puede tomar otro camino, y eso es lo que me pasó”. Además, añadió que ahora, desde su sello Metamorfosis, buscará que la prioridad sea “ser partícipe como administrador de las emociones que hay en un disco”.

Precisamente, fruto de esa intención nacen los sencillos “Fuiste tú” y “El Amor”. De este último afirma: “no es una canción romántica, sino contestataria en contra del amor. Es muy instintiva y señala las partes oscuras de este sentimiento extraño” – añade. La primera pieza, en cambio, es un dueto que Arjona grabó con su compatriota Gaby Moreno, una artista de blues casi desconocida en Latinoamérica. Ella representa otro de los objetivos de Metamorfosis: descubrir nuevos talentos y dirigir sus carreras. “Debemos dejar de ver el circulito (o CD) como algo que se vende sin importar lo que trae dentro. La parte creativa de la industria radicará siempre en la esencia: los autores, que por cierto nunca han sido reconocidos. La posibilidad de resurgir es voltear la materia prima: la música”– declaró el músico, quien considera “Fuiste tú” como segundo single del álbum.

El debut del cantautor como empresario obedece al respeto que tiene por el arte de realizar música. En ese sentido, su sello discográfico va enfocado a desprenderse de lo que, a lo largo de los años, él mismo criticó. “Uno se cansa de los puentes para llegar a la gente, de todo lo que tiene que hacer uno por cumplir. Hay que sonreír sin ganas, y eso es un desgaste de salud. Entiendo que las discográficas están pasando por un momento complicado, los ejecutivos están en la defensa de conservar su puesto, ya no hay quien esté en el riesgo de invertir en esos grandes nuevos artistas que no han sido descubiertos… Ellos quieren continuar con sus metas mercantiles, nosotros no”- manifestó el autor de “A ti”.

Por otra parte, publicar un disco de forma independiente tiene otra ventaja: la libertad de control sobre él. Ahora bien, Arjona sigue un criterio claro: “uno no puede ser el arquitecto del éxito de las canciones, pero sí del buen trato de las canciones. Eso es justamente lo que he hecho en este álbum”. A su vez, reconoció que ser libre para componer música se acompaña de responsabilidades más grandes, pero que es un precio que está dispuesto a pagar: “Una libertad mal administrada toma caminos que no convienen. Por ello, desde Metamorfosis queremos darle un buen trato a las canciones; las finanzas no nos preocupan del todo, si no nos convertiríamos en lo que tanto hemos criticado” – sentencia.

ENTREGADO A SU PÚBLICO. Los años no hieren el vínculo entre Arjona y sus fans

En cualquier caso, Arjona ya habla sobre su futuro en la empresa que dirige: “La idea es, por un lado, que seguiré dedicándome a hacer música y, por el otro, que habrá un grupo de gente cuidando de ese trabajo”. Asimismo, asegura que Independiente es su único proyecto, y no sabe si será o no su mejor disco, pero sí en el que más ha trabajado. Desde la red, el cantautor también revela en un vídeo que su deseo con este disco es “estar más cerca del público que antes”.

Si se escucha con cuidado, cada canción de Arjona es como una poesía, una historia o una melodía. Pero sea cual sea la forma, todas tienen algo común: nunca terminan. No lo hacen porque cada balada del músico esconde algo de otra que ya él cantase, y porque al final en ellas quedan los mismos temas; relatos que hablan de costumbre, de lamentos, de alegrías, de amores perdidos o, en suma, de escenas por las que la vida desfila casi sin hacer ruido. Sin embargo, hoy el músico ha logrado que sus canciones suenen más alto que nunca. Lo ha conseguido del modo en que una vez soñó hacerlo, como independiente.

De momento, hasta aquí llega el trayecto de este artista, de un compositor sin más que, un día y por casualidad, aterrizó en un lugar único. Un lugar al que pocos pueden llegar, del que es difícil entrar, pero muy fácil salir, un lugar envidiado a la vez que  admirado, donde hay agrados, pero también sacrificios, donde hay música, y oídos que la escuchan. Ese lugar es el éxito, y Ricardo Arjona, la voz que lo emancipa, lo mima y lo degusta, y que, a pesar del tiempo, se niega a abandonar.

EL ESCENARIO ESPERA. ¿Qué sorpresas traerá Arjona con ‘Independiente’?

Diego León 

 

Pereza: un adiós provisional

El grupo musical se toma un descanso tras diez años de éxito

Después del éxito, el descanso. Así es como Rubén y José Miguel Conejo (Leiva), componentes del dúo Pereza, se despiden de los escenarios. La noticia llegó el pasado 29 de septiembre, a través de un comunicado publicado en la web oficial del grupo. Con él, el dueto anunciaba que este año este no lanzaría disco. Tras una carrera llena de éxitos, ambos artistas tienen previsto publicar disco por separado, pero advierten de que volverán a dar conciertos en 2012 por toda la geografía española.

TOCA PROBAR EN SOLITARIO. Los caminos de Leiva (izq.) y Rubén se separan

Han pasado diez años desde que Leiva y Rubén, dos amigos del madrileño barrio de Osuna, unieran sus talentos. Había nacido Pereza, que por entonces contaba con un tercer componente, el batería Tuli. Los primeros pasos vinieron en el 2001, con la presentación de un disco homónimo del grupo. Dos años después, el proyecto empezó a andar por sí solo, cuando la banda lanzó su álbum Algo para cantar (2003) e hizo su primera aparición en público. El tema era Yo pienso en aquella tarde y el lugar, el plató de Radio 3 de Televisión Española. Los ojeadores del programa vieron al grupo con buenos ojos, por lo que el futuro para el dúo se tornó prometedor.

Poco a poco, los éxitos fueron llegando. Con la publicación de nuevos discos: Animales (2005), Amigos de los Animales (2006) y Aproximaciones (2007) la música de la banda fue tomando forma. Pero no sería hasta el último álbum, Aviones (2009), cuando el dúo alcanzó la madurez, convirtiéndose en uno de los grupos de referencia del  rock en español. Hasta ese momento, nadie habría predicho que Leiva (bajo, voz y guitarra) y Rubén (guitarra y voz) encabezarían las listas de éxitos más vendidos de nuestro país.

Suele ocurrir que en los dúos un miembro tenga más popularidad que el otro. Sin embargo, no es este el caso de Pereza, donde el mérito está en el trabajo de ambos artistas. No hay letra ni música que no pase por ellos, incluida la grabación, y muchas veces firman conjuntamente las canciones, como “Princesas”, “Caramelo”, “Animales” o “Todo”. Esta última, de hecho, fue incorporada al musical de los 40 Principales,40 Principales, El Musical.

La geografía española se ha hecho eco de la trayectoria de Pereza. El dúo ha interpretado temas junto a artistas y grupos españoles importantes, como Amaral, Miguel Ríos, El Canto del Loco, Hombres G o M-Clan e intervenido en festivales musicales de relevancia nacional: Galas 40 Principales o Rock in Río 2010. El impulso de la banda ha sido tal que, hoy por hoy, el grupo se ha convertido en icono del pop español. En 2007 y 2009 ganó el premio 40 principales al mejor grupo nacional.

MEJOR GRUPO NACIONAL. En la imagen, el dúo con el galardón en la gala 40 Principales

Pero, después de tanto éxito y sin todavía sin intención de separarse ¿qué estaría pasando por la mente de Rubén y Leiva?  Si la popularidad del grupo a estas alturas parecía no tener fin ¿por qué tendrían motivos para dividirse? Para Ángel Carmona, presentador de Hoy empieza todo en Radio 3 y colaborador de la banda, la noticia “confirma que esto es un grupo de dos, en el que ninguno va a rebufo del otro. Además, piensa que la separación del dúo es “algo positivo, saludable y esperado, porque tanto Rubén como Leiva son gente inquieta”. En cuanto a la idea de que ambos artistas sigan en solitario, el locutor y periodista musical apunta: “Esta posibilidad representa un reto muy bueno para los dos, pero a la vez traducido en reducir el formato, esto es, deberán tocar en garitos y con otros músicos antes de volver a llenar estadios”. “De todos modos, esto no es una separación, estos son como hermanos” – remata.

El paréntesis de Pereza se abre tras un año lleno de conciertos, año que la banda tilda de “mágico”. La gira “Aviones” es una presentación del disco que lleva el mismo nombre, y que culminará en Barcelona el próximo 23 de octubre. Después de ese acto, el dúo ofrecerá como despedida diez conciertos más durante los meses de noviembre y diciembre. Será el regalo de Rubén y Leiva al público para celebrar el décimo aniversario de la banda.

JUEGO DE ACORDES. Rubén y Leiva, durante uno de los conciertos de la gira.

Frente a toda sospecha, Pereza deja claro que volverá en 2012, y para ello ha enunciado un mensaje esperanzador: “lo más importante de todo es que el coleguismo y el amor Ruben-Lei siguen intactos. Es, ha sido y será siempre nuestra prioridad”. Queda entonces esperar al año próximo para ver el resultado de esta separación momentánea de caminos. Desde Sony Music (discográfica de Pereza) ya están preparados: la compañía seguirá gestionando la carrera en solitario de los dos artistas,  como mismo hizo en el caso de Dani Martín y el Pescao, antiguos miembros de El Canto del Loco).

Ahora, la cuestión atiende a si la banda mantendrá el éxito al que tanto le costó llegar. De si conservará ese estilo propio de ver el pop: un pop edulcorado y poético, salvaje pero a la vez delicado, de tono acústico y melodía distorsionada. De si traerá de vuelta las letras sencillas y canallas, que hablan de juergas, desamor e historias trabadas. Porque eso el es grupo de Rubén y Leiva, un dúo que nació de dos rockeros, de dos cabezas morenas, de un par de amigos que un día jugaron a ser concha, y terminaron siendo perlas. ¿Volverá Pereza? De momento, es un adiós provisional.

LAS DOS MITADES DEL ÉXITO. Pereza se divide con el reencuentro visto en frente

Diego León

Por siempre, ‘Rey del Pop’

Regresa el musical español sobre Michael Jackson 

No es la primera vez que ocurre, ni tampoco el primer lugar de España en que se ha hecho, pero el musical dedicado a Michael Jackson tiene nombre: Forever King of Pop. Dentro de pocos días, Castellón, Logroño y San Sebastián volverán a presenciar la magia del artista. En el Auditori i Palau de Congresos de Castelló, primer destino de esta nueva gira, todo está preparado: actores, luces, cámaras, sonido y decorados. ¡Que comience el espectáculo!

REGRESA EL ‘REY DEL POP’. Arriba, coreografía grupal durante uno de los actos del musical

Suele ocurrir que cuando un cantante muere este cae progresivamente en el olvido. Una vez difunto, los fans que ese artista algún día tuvo pueden huir o perdurar, negarse que ya esté muerto o ignorar dicha muerte, o recordarle bien sea por apariencia o bien por lealtad.  Pero Michael Jackson no se incluye en esos márgenes. No solo ha logrado ser recordado, sino también revalorizar comercialmente su identidad. Obviamente, no lo ha hecho solo. Lo ha ayudado un fenómeno mundialmente establecido: el desarrollo de la industria cultural. Y es que el fallecimiento del ‘Rey del Pop’, hace ya tres años, ha hecho que compañías de venta de discos, videojuegos o perfúmenes, entre otras, hayan incrementado sus beneficios desde esa fecha. El musical Forever King Of Pop vendría a ser, precisamente, un producto más dentro de esta esfera. Una esfera donde el mérito artístico puede ser fácilmente comercializable.

Bajo este último tul, sin embargo, se esconde una oportunidad para quienes hacen bueno el nombre del musical: los imitadores del cantante. . Para Francisco Bernabéu, a día de hoy doble oficial de Michael Jackson en España: “esa esencia del artista, más allá del mito, más allá incluso de la música y de la letra, es a lo que Forever… aspira”. “Lo más difícil no es un paso de baile en sí, sino poder hacerlo con todos los bailarines haciendo exactamente el mismo movimiento, para  al final conseguir que Michael sea Michael y no un bailarín más” – comenta sobre el trabajo de imitación. Durante el espectáculo, comparte protagonismo con  otro doble de Jackson, Iván Mampuelle Ortiz.

Pero recrear la identidad de la estrella no es tarea fácil. Las palabras anteriores de Francisco insinúan que imitar al ‘Rey del Pop’ es hablar de talento, un talento basado en la reproducción de movimientos, de sincronizar el baile con la melodía y de transmitir una seguridad natural sobre el escenario. Todo ello bajo el atuendo y la escenografía con los que el cantante aparecía en sus videoclips y conciertos. En este sentido, el musical logra un resultado de los shows muy parecido al de estos últimos.

Por otro lado, la apuesta por una versión del show “a la española” fue un factor determinante para Carlos J. López, productor y creador original del evento. “La idea arrancó después de que no consiguiéramos traer a España un espectáculo que ya existía sobre Michael Jackson”-.  Asimismo, él mismo se refiere a que el regreso de Forever… traerá en esta ocasión “una nueva producción cuidada y creada siempre con la idea de que el público vibre, se emocione, baile y en definitiva disfrute intensamente del espectáculo”.

Un espectáculo de tal calibre que Joseph Jackson, padre del cantante, considera como “un homenaje que trasciende todas las fronteras”. Además, añade que a su hijo “le preocupaban mucho sus fans, por lo que eventos como éste mantienen vivo el legado que siempre les quiso dejar”. Su visita a España sentencia el acuerdo entre la fundación Jackson Family y el espectáculo musical Forever King of PopPara el presidente de esta Fundación, Simon Sahouri, el objetivo es dejar por este tipo de vías un mensaje de unidad, paz y amor por todo el mundo, tal y como quería Michael.  

TRATO HECHO. De izquierda a derecha, Simon Sahouri, presidente de la ‘Jackson Family Foundation’; Carlos J. López, productor y guionista del musical y Joseph Jackson, padre del cantante

Sea por ese sueño del cantante o por el del creador del musical, finalmente el ‘Rey del Pop’ sigue contando con un show “dedicado a toda su carrera”, y de la que será testigo Castellón en pocos días. Sobre este hecho, el director del musical, Jesús Sanz-Sebastián, ha declarado: “Serán dos horas y media en las que el público se sorprenderá cada minuto”. Además, ha dejado claro que “aunque son pocas las novedades de esta gira, se espera la interpretación de nuevos temas y coreografías”.

Preparación, interés y largas horas de ensayo son algunos de los muelles en los que sostiene el evento. Desde los actores hasta los directivos de producción, pasando por los estilistas y miembros menos nobles del cuerpo técnico, no cabe más decir que el resultado sin ellos no sería el mismo. Por ello, de esa unión de esfuerzos volverá a salir el éxito y la continuidad del musical, un proyecto cuyo ánimo es resucitar al que fue, es y será “Por siempre, Rey del Pop”.

VUELVE ‘FOREVER, KING OF POP’. En la imagen, dibujo de la silueta de Jackson en una tarta

   Diego León